Đặc điểm lớn nhất của nghệ thuật phương Tây là khả năng tái tạo trung thực hình thái tự nhiên vốn có của sự vật và hiện tượng, mang tính hiện thực và có từ lâu đời. Số lượng tác phẩm được tìm thấy ở các nền văn minh cổ đại như Ai Cập, Tây Á và Hy Lạp không hề ít, đặc biệt là tượng nhân vật và động vật thường có tỷ lệ chính xác với hình thái cực. Về hội họa, từ các bức bích họa cổ, tranh khắc gỗ và tranh gốm, kỹ thuật chủ yếu là thể hiện tuyến tính và sắc thái của đối tượng, vẫn còn xa thực tế thị giác. tuy nhiên, một số câu chuyện được truyền lại từ thời Hy Lạp cổ đại dường như chứng minh rằng các nghệ sĩ thời đó vẫn có khả năng “vẽ như thật” một cách thực tế.

Hai họa sĩ nổi tiếng của Hy Lạp, Zeuxis và Parrhasios, từng công khai tranh giải thưởng, mỗi người đều phải đối mặt với những kiệt tác của riêng mình. Trái cây được miêu tả trong bức tranh của Zeuxis sống động đến mức những con chim đậu trên tường bay đến những quả nho trong bức tranh để tìm kiếm thức ăn. Trước những lời khen ngợi không ngớt của mọi người, Zeuxis tự hào nói với đối thủ của mình, ‘Bây giờ, hãy yêu cầu Parrhasios mở tấm bạt che bức tranh của bạn cho mọi người cùng xem! Ngay khi nói xong, Zeuxis nhận ra rằng mình đã mắc sai lầm. parrhasios đã không che bức tranh ngay từ đầu, bức màn mà zeuxis nhìn thấy là tác phẩm được vẽ bởi parrhasios. Lúc này, Zeuxis phải cúi đầu nể phục, vì tranh của anh đánh lừa thị giác của loài chim, trong khi tranh của Parrhasians đánh lừa thị giác của một nghệ sĩ.

Tượng Nữ hoàng Nefert, Vương quốc Ai Cập mới, khoảng 1340 trước Công nguyên, cao 50 cm (Ảnh: big5.zhengjian)

một truyền thuyết khác kể rằng họa sĩ alexander, người đã dạt vào đất nước Ai Cập sau khi rơi khỏi con tàu của mình trong một cơn bão trên biển, là họa sĩ được ngưỡng mộ nhất. Các đối thủ của ông đã mua chuộc vua Ai Cập Ptolemy I và lừa nghệ sĩ rằng nhà vua mời ông đến một bữa tiệc tối. Alexander nghĩ vậy nên đã đến cung điện; Kết quả là anh bị chính Ptolemy bắt vì tội tự ý đột nhập vào cung điện. Alexander lớn tiếng phàn nàn, vì vậy nhà vua yêu cầu anh ta chứng minh sự vô tội của mình. Người nghệ sĩ lập tức lấy một mẩu than và nhanh chóng vẽ lên tường bức chân dung của kẻ đã lừa dối mình. Khi nhà vua ngay lập tức nhận ra cận thần của mình, ông đã tha cho Alexander. Câu chuyện này cũng cho thấy alexander có khả năng quan sát và trí nhớ rất tốt, anh ta có thể nhanh chóng nắm bắt được đặc điểm của các nhân vật, do đó đã cứu được mạng sống của mình.

Truyền thuyết “Trận chiến của Alexander và Darius” sao chép dựa trên tác phẩm của Alexander (Ảnh: chenyujr.pixnet)

Bức bích họa khảm gốm nổi tiếng “Trận chiến của Alexander và Darius” được khai quật ở Pompeii được cho là bản sao tác phẩm của Alexander. các bức bích họa thường rất lớn, với nhiều hình vẽ lộn xộn và mất trật tự. trong trận chiến đó, các nhân vật và ngựa được xác định rõ ràng với động lực phong phú, và hiệu ứng ba chiều và ánh sáng tự nhiên cho thấy sự căng thẳng của trận chiến. alexander từ bên trái đang bình tĩnh tấn công, trong khi darius nhìn lên và giơ cánh tay về phía chiến xa, kỵ binh phía trước cũng đang cố gắng điều khiển những con ngựa đang sợ hãi. rõ ràng là quân Ba Tư đã bị đánh bại. hai đạo quân cùng ngựa đan xen lẫn nhau dường như có thể nghe thấy tiếng chém giết, tạo cho người xem cảm giác chân thực. Nếu sự bắt chước của bức tranh khảm bằng gạch men này quá tinh vi, thì bạn có thể tưởng tượng ra cảm xúc của Alexander trong bản gốc như thế nào?

kiến ​​trúc tráng lệ được thể hiện qua những bức bích họa khổng lồ

tuy nhiên, sự thăng trầm của nghệ thuật nhân văn không thể tách rời quy luật “thành, vĩnh, diệt, diệt”. vinh quang của nghệ thuật cổ đại kết thúc với sự sụp đổ của đế chế La Mã và im lặng trong nhiều thế kỷ. Các quốc gia châu Âu, khám phá lại chính mình trong những tàn tích văn hóa, nhận thấy rằng phải đến thời kỳ Phục hưng, nghệ thuật mới trở lại thời kỳ hoàng kim của nó. vào thời điểm đó, các nghệ sĩ đã tìm thấy tài liệu tham khảo nghệ thuật hoàn hảo của các hiện vật được khai quật để họ có thể trưởng thành nhanh chóng.

Xem Thêm : mẫu đơn xin rút hồ sơ đăng ký kinh doanh

Các nghệ sĩ thời kỳ Phục hưng có mong muốn khôi phục mỹ học Hy Lạp cổ đại. trên thực tế, những thành tựu của ông trong việc sử dụng các kỹ thuật vẽ tranh hiện thực đã vượt qua những thành tựu của người xưa. không chỉ có vẻ ngoài đẹp đẽ và chính xác, các sắc thái được áp dụng một cách thuần thục, mà còn có một cảm giác lập thể, một cảm giác về khối lượng; sự trưởng thành đạt đến mức chưa từng có, vô cùng quen thuộc với cuộc sống và thiên nhiên. Đặc biệt, việc sử dụng phương pháp phối cảnh không chỉ ghi lại chính xác hình dạng của vật thể ở các góc độ khác nhau mà còn tạo ra cảm giác về chiều sâu trong không gian ba chiều từ một mặt phẳng duy nhất.

Bức bích họa của Masaccio trong Trinity of Santa Maria Novella (Florence) năm 1427 (Ảnh: Wikiwand)

Bức tranh tường “Trinity” của Masaccio tại Santa Maria Novella (Florence) vào năm 1427 thường được coi là ví dụ thành công đầu tiên của nghệ thuật vẽ phối cảnh. người nghệ sĩ lấy điểm nhìn của người xem làm tiêu chuẩn sau đó kéo dài các đường vẽ để vẽ ra một không gian hư ảo, thể hiện những khoảng cách, khoảng cách với độ sâu khác nhau. Bức tranh “bữa tối cuối cùng” của da vinci cũng sử dụng sự kết hợp của kiến ​​trúc, với ý định tạo ra một ảo ảnh bằng cách sơn những bức tường xung quanh bữa ăn tối cuối cùng của chúa Giê-su và các đệ tử của tôi.

“Bữa ăn tối cuối cùng” của Da Vinci, 1495, Tu viện Madonna của Milan (Ảnh: epochtimes)

Các kỹ thuật hội họa thời Phục hưng thường được kết hợp với kiến ​​trúc và điêu khắc để tạo ra nhiều hiệu ứng hình ảnh thú vị và tương đồng. có nhiều trang trí đẹp hơn, vui nhộn, huyền diệu để truyền cảm hứng cho các tín đồ. người Pháp gọi kỹ thuật phức tạp này là “trompe-l’oeil”, có nghĩa là “đánh lừa mắt”.

Hội trường ánh sáng và bóng tối trong Bảo tàng Vatican (Ảnh: big5.zhengjian)

Hội trường ánh sáng và bóng tối trong Bảo tàng Vatican (Ảnh: big5.zhengjian)

Hội trường ánh sáng và bóng tối trong Bảo tàng Vatican (Ảnh: big5.zhengjian)

chẳng hạn, trong “đại sảnh của ánh sáng và bóng tối” trong bảo tàng Vatican, các bức tường, tượng và đồ trang trí theo phong cách Hy Lạp được vẽ trên toàn bộ bức tường; cửa ra vào và cửa sổ thực sự khớp nhau một cách hoàn hảo, như thể căn phòng đầy những bức tượng. Trong tiền sảnh của nhà nguyện sistine, bức bích họa zenithal “genesis” của michelangelo cũng được chia thành các hình ảnh khác nhau, để các chi tiết kiến ​​trúc, điêu khắc và hình ảnh được kết hợp hài hòa. cái thật và cái giả được trộn lẫn một cách tự nhiên trong cùng một cơ thể.

Bức tranh tường thiên đỉnh “Genesis” của Michelangelo (Ảnh: epochweekly)

Bức bích họa trần trong lễ đường 1473 (Ảnh: big5.zhengjian)

Do sở thích “thực tế” của những bức tranh hiện thực, các nghệ sĩ thời đó thậm chí còn sử dụng nó để làm những trò đùa nho nhỏ. Andrea Mantegna (1431-1506) đã vẽ toàn bộ bức tranh tường cho sảnh cưới của gia đình Gonzag của công tước Manduwa, với bốn bức tường có dạng hành lang hình vòm, bà cũng vẽ tất cả các thành viên trong gia đình trong khung cảnh thiên nhiên. một cảnh đặc biệt thú vị là từ mái nhà mở ra một giếng trời hình tròn. Xung quanh giếng trời có lan can bằng đá chạm khắc, chỉ thấy bầu trời xanh mây trắng, rất nhiều thiên thần nhỏ đang mỉm cười chỉ trỏ, trong đó có một thiên thần nhỏ đang mắc kẹt trong lỗ thủng trên hàng rào, trông bực bội trông thật đáng yêu và buồn cười. Sự hài hước của nghệ sĩ này trong bức tranh tường đỉnh cao trái ngược hẳn với vẻ nghiêm túc của các bức tranh tường gia đình gonzag xung quanh.

Xem Thêm : Hướng dẫn móc mũ vành rộng đi biển

Bức tranh tường đỉnh cao của Andrea Pozzo tại Église Saint-Ignace de Loyola de Rome (Ảnh: z7621941.pixnet)

Trong thời đại nghệ thuật Baroque và Rococo, trần nhà của nhiều cung điện và nhà thờ thường lấy chủ đề từ thần thoại và thế giới trên trời. do phong cách thị giác lộng lẫy thời bấy giờ, kỹ thuật “đánh lừa thị giác” phức tạp và cường điệu hơn. một số bức tranh tường trong nhà thờ sáng đến mức gần như không thể phân biệt được đâu là thật, đâu là giả. Lúc này, yêu cầu đối với người nghệ sĩ không chỉ là khả năng vẽ mà còn là khả năng tính toán chính xác, sự khéo léo và trí tưởng tượng về không gian. Mặt khác, nếu không có đức tin và sự tôn kính đối với Đức Chúa Trời, sẽ khó có thể tưởng tượng được cảnh tượng tráng lệ như vậy.

Bức bích họa trên trần tại Bảo tàng Lourve (Ảnh: big5.zhengjian)

chủ nghĩa hiện thực trong thế kỷ 20

Sau khi bước vào chủ nghĩa hiện đại thế kỷ 20, các kỹ thuật vẽ tranh hiện thực thường bị coi là lỗi thời và lỗi thời. chỉ có một số họa sĩ siêu thực sử dụng lại các kỹ thuật hiện thực, nhưng để thể hiện sự kỳ dị trong tác phẩm của họ, thích cái mới, siêu thực và thần thoại; trong khi những ‘người theo chủ nghĩa phaticealists’ sau những năm 1960 đã sử dụng khoa học và công nghệ để tái tạo nó gần như giống hệt bản gốc, nhưng hoàn toàn khác với sự bắt chước truyền thống của tự nhiên. loại chủ nghĩa hiện thực này trần trụi hơn, vì nó khai thác những khía cạnh bệnh hoạn của xã hội hiện đại: như sự xa lánh giữa các cá nhân, sự trống rỗng của cuộc sống … hay sự thô tục. khi người xưa theo đuổi sự đại diện của chân lý, bên trong nó có một cái gì đó tốt đẹp, thể hiện phẩm giá và bản chất con người, sự tương phản giữa thiện và ác, vinh quang của thần và vương quốc của thiên đàng … nó có thể bị mê hoặc và cảm động và thăng hoa. . chủ nghĩa hiện thực hiện đại phơi bày hiện thực cũng có thể để lại ấn tượng, nhưng cảm xúc thường là thông cảm và tiêu cực.

Tuy nhiên, có rất nhiều nghệ sĩ công cộng hoặc nghệ sĩ đường phố sử dụng kỹ thuật “đánh lừa mắt” truyền thống để tạo ra các hiệu ứng chân thực với hình ảnh chân thực hòa hợp với cảnh quan và địa hình xung quanh. một khi người xem thấy rằng đôi mắt của họ bị “đánh lừa”, phản ứng không phải là tức giận, mà là ngạc nhiên, ngưỡng mộ và vui mừng. loại thú vị này là không thể thay thế được với nhiếp ảnh; Các kỹ thuật vẽ hiện thực không bao giờ có thể bị loại bỏ bởi các công nghệ khác. Chúng ta đã nói về các quy luật của vũ trụ là “xây dựng, tồn tại và diệt vong”, và “mọi thứ được định sẵn để chống lại”. ngày nay, khi nghệ thuật hiện đại đã đi đến cực đoan, sự trở lại của hội họa hiện thực là điều có thể đoán trước được.

Bức tranh tường nghệ thuật công cộng ở Agde, một thị trấn nhỏ ở miền Nam nước Pháp (Ảnh: Wikipedia; tác giả: Harrieta171, chụp ngày 31 tháng 7 năm 2006)

“Bản vẽ hiện thực” mà chúng ta vừa nói đến vẫn là hiệu ứng cơ bản nhất của nghệ thuật hiện thực. nếu người nghệ sĩ dùng nó để thể hiện một ý nghĩa sâu xa và cao siêu hơn thì giá trị của nó còn lớn hơn nữa. nói cách khác, kỹ năng cá nhân không phải là mục đích của nghệ thuật, mà chỉ là một công cụ để làm nghệ thuật. đối với một nghệ sĩ lành nghề, câu hỏi khó nhất là: anh ta đại diện cho điều gì với kỹ năng đó? và nhận thức, tư tưởng của người nghệ sĩ hơn hết là thái độ và tình cảm của anh ta đối với cuộc sống sẽ quyết định điều anh ta muốn thể hiện. khái niệm sáng tạo và cách thể hiện của tác phẩm mới là hiện thân của nghệ sĩ. do đó, chủ nghĩa hiện thực sẽ không đến hồi kết như nhiều nhà sáng tạo hiện nay vẫn nghĩ, mà nó sẽ là một con đường vô tận và rực rỡ, đang chờ được những nghệ sĩ tầm cỡ này khôi phục và phát triển. rất tiếc.

– biên dịch –

& gt; & gt; & gt; ý nghĩa của các đường trong thiết kế trực quan

& gt; & gt; & gt; ý nghĩa của hình ảnh chim hạc trong tranh

& gt; & gt; & gt; ý nghĩa của các mẫu đặc trưng của từng quốc gia

& gt; & gt; & gt; ý nghĩa của màu sắc trong thời trang